Comic Art

Will Eisner

2009-12-05T23:52:00.052+01:00

Après un maître belge, place à une des grandes figures de la bande dessinée américaine. Will Eisner (1917-2005) fait partie du panthéon de la Bande Dessinée, à la fois auteur complet et grand théoricien de son art.
La planche dont il est question ici, intitulée La source (The fountainhead dans la V.O) est issue de sa trilogie consacrée à New-York, plus exactement du tome 1 "La Ville" (Big City). Cet album est une véritable mise en scène du New York d'Eisner, une compilation de petites histoires construites autour des éléments de décor des rues (grilles d'égout, lampadaires, perrons d'immeubles, boîtes aux lettres, bouches d'incendie...) ainsi que de grandes illustrations. Ces planches ont été publiées dans The Spirit Magazine, entre 1981 et 1983, à l'époque où il enseignait à l'Ecole des Arts Visuels de New York (célèbre école fondée par Burne Hogarth).

Que dire de cette planche ? Peu et beaucoup à la fois.
J'ai une tendresse particulière pour cette planche. Dès le premier instant où j'ai posé les yeux dessus, il s'est passé quelque chose. Elle me plaisait, correspondait à ce que j'aime chez Eisner, avec un bel encrage et une belle composition... mais il y avait quelque chose d'autre. Et il m'a fallu du temps pour trouver ce dont il s'agissait.

Parmi les collectionneurs d'originaux, la célèbre expression "madeleine de Proust" revient régulièrement pour évoquer une planche originale, source de nostalgie.
Je me suis plongé il y a peu dans le roman de Proust, Du côté de chez Swann, plutôt ennuyeux je dois reconnaître mais très bien écrit. Du moins, j'ai retrouvé le plaisir simple des beaux mots, des longues phrases... La madeleine qu'il décrit dans le fameux passage n'est pas tant un souvenir de son enfance que la porte d'accès à des souvenirs oubliés, et c'est bien une partie du propos de Proust que de distinguer ces deux types de mémoire. Une planche originale nous ramène à une partie de notre enfance et permet de faire vivre des souvenirs, des émotions, toujours vivaces en nous. Mais ce n'est pas à proprement parler une Madeleine proustienne. Et pourtant, avec cette planche, j'ai trouvé une "vraie" madeleine...
Avant d'en arriver là, j'avais pu apprécier le talent de composition d'Eisner.
Avec la publication de 'Un Pacte avec Dieu' (A contract with God), en 1978, Eisner avait franchi une étape clé dans sa façon d'aborder la bande dessinée et notamment la composition de ses planches et dès lors, il n'aura de cesse d'explorer de nouvelles pistes.

J'ai pu retrouver un scan du crayonné de cette planche (malheureusement, ce crayonné ne m'appartient pas), et découvrir le travail de mise en place, mais aussi les correctifs apportés sur la planche finale.

On peut constater qu'Eisner est revenu sur son idée de faire figurer un immeuble sur la partie droite de la planche, contribuant ainsi à alléger la représentation. La majeure partie de la planche est occupée par cette grande case, grande illustration à elle seule, marquée par une composition diagonale le long de laquelle coule l'eau, de haut en bas. On peut voir qu'Eisner a encore accentué l'angle de cette pente "naturelle" sur la planche finale, et donc de l'écoulement de l'eau.

Nul gaufrier ici, les bords de case ont disparu, allégeant d'autant la narration. Seule l'action de l'employé de ville se trouve encadrée, mais comme mise en dehors du flux narratif en empiétant sur les deux autres séquences. Le personnage de l'employé de ville apparaît en décalage avec les autres, l'air bourru, renfrogné, et pourtant c'est son action, l'ouverture de la borne d'incendie, qui va apporter de la joie aux enfants de la rue. Les apparences sont trompeuses...

Cette rue, Eisner ne nous en donne à voir qu'une petite partie, un bout d'immeuble dans le coin supérieur gauche de la planche. Discret, nul besoin d'en rajouter pour ressentir le genre d'immeuble que cela peut être, la perspective est à peine esquissée au lavis. Les occupants essayent de trouver un peu d'air, écrasés par la chaleur d'un mois d'été, au balcon ou sur le perron.

De cet immeuble, et de ceux que l'on imagine en arrière plan, jaillit une véritable meute d'enfants, criant, riant, et c'est tout le talent d'Eisner de nous donner à "entendre" le bonheur de ces enfants. Nul besoin de bulle ni d'onomatopée pour entendre cette joie, le trait dynamique et tout en rondeur, tout en douceur d'Eisner suffit pour nous faire participer à cette scène.

Car c'est l'été, et l'heure d'aller à la plage ! Et quelle plage ! Avec son yacht, ses vagues, ses fonds sous-marins, ses baigneurs insouciants, ses rochers d'où se font les plus téméraires des plongeons ! Et tout cela, au coeur même de New York. Pas de place pour le misérabilisme chez Eisner, on sent dans son oeuvre une véritable affection pour ses quartiers, un amour pour ces petites gens. Alors comment ne pas s'attacher à toutes ces bouilles de gosses si heureux ?

C'est la force de ce genre de composition où chacun de ces enfants à lui tout seul raconte une histoire: la jeune fille (maman ?) qui protège le bébé des bêtises du trio de copains espiègles, le solitaire rêveur adepte de mondes sous-marins, l'aventurier au long cours qui rejoue sa traversée des grands océans, la maman attentive qui ose à peine lâcher son enfant dans le grand bain, la petite fille intrépide prête à se jeter à l'eau du haut de son perchoir, aux pieds de son grand frère qui lui complique la vie en créant des remous, jusqu'au plus paisible d'entre tous, rondouillard petit garçon profitant le plus sereinement du monde de ce moment de détente...

J'aime cette vision que propose Eisner de New York, ce réalisme simple et efficace, touchant, à rapprocher d'autres visions de cette grande ville, comme celle d'un Sempé (avec ses magnifiques couvertures pour le New Yorker) ou celle d'un Woody Allen (Manhattan), très différentes les unes des autres, mais chacune témoignant d'un véritable amour.

En 2009, la traduction éditée par Delcourt commençait sur ces mots de Will Eisner:
"Je me suis lancé dans la création dune série de "photographies" bâties autour de neuf éléments clés, qui, rassemblés, constituent ma vision d'une grande ville... De n'importe quelle grande ville.

Vu de loin, la plupart des grandes cités ne sont qu'une accumulation de grands bâtiments, de populations nombreuses et de vastes superficies. Pour moi, cela ne représente pas la"réalité".
La ville telle qu'elle est vue par ses propres habitants constitue en revanche le véritable reflet de cette réalité.

L'essence même de la ville se trouve dans les crevasses de son sol, et dans les recoins de son architecture, là où le quotidien s'insinue.
Peindre un portrait est une tâche très subjective, qui reflète finalement ma propre vision des choses. Le fait que j'ai grandi à New-York m'a amené à bien connaître son architecture et son mobilier urbain. Mais j'ai pu découvrir de nombreuses autres grandes villes, et ce que je propose ici vaut, à mon sens, pour toutes ces cités."

Les dessins sont réalisés au pinceau, à l'encre puis dilués, ce qui produit un trait plus doux et différents tons de gris. La planche est réalisée sur un carton très épais.

J'ai passé une bonne partie de mon enfance à jouer dans la rue, ma rue devrais-je dire tellement j'en connaissais chaque recoin, chaque parcelle comme si elle faisait partie intégrante de ma maison. Aujourd'hui encore, je n'ai nul effort à faire pour la revoir, sentir et ressentir quasi physiquement ses trottoirs, ses réverbères, ses plaques d'égoût, son panneau de signalisation, sa borne incendie... Sa borne incendie ! La voilà ma madeleine autour de laquelle tournait ma mémoire sans arriver à trouver une explication à ce sentiment étrange. Et tout d'un coup, le souvenir m'est apparu.
Maintenant, je sais pourquoi cette planche me touche profondément.

"Mais, quand d'un passé ancien rien ne subsiste, après la mort des êtres, après la destruction des choses seules, plus frêles mais plus vivaces, plus immatérielles, plus persistantes, plus fidèles, l'odeur et la saveur restent encore longtemps, comme des âmes, à se rappeler, à attendre, à espérer, sur la ruine de tout le reste, à porter sans fléchir, sur leur gouttelette presque impalpable, l'édifice immense du souvenir." (A la recherche du temps perdu)

A Louis

Jijé

2009-10-18T17:25:00.032+02:00

Après du moderne en couleur, voici du classique en noir & blanc.
Un retour aux sources avec cette planche originale d'un des maîtres de l'école de Marcinelle et pilier du journal Spirou, Joseph Gillain dit Jijé (1914-1980).
Cette planche est issue de sa série Jerry Spring, de l'album "Les vengeurs du Sonora" (planche n°10).

image plus nette en cliquant dessus

Cette histoire fut publiée dans les pages du journal Spirou, du 10/06/1965 (n°1417) au 28/10/1965 (n°1438). Elle ne fut éditée en album qu'en 1974, dans la collection spéciale grand format N&B de Dupuis, puis en album classique couleur en 1985.

J'ai découvert Jerry Spring comme on découvre un trésor. Au sens premier du terme. Enfant, je passais toutes mes vacances chez ma grand-mère, dans un petit village perdu dans la montagne noire, aux pieds de châteaux cathares. Le lieu rêvé pour toutes les aventures ! Mais ma grand-mère craignant que le petit citadin que j'étais ne s'ennuie en sa compagnie, elle dénicha chez une de ses voisines une de ces grosses malles en bois cerclés de cuir, entièrement remplie de BDs ! Il devait y avoir là plusieurs centaines de magazines, fascicules et autres albums: journal de Tintin, Spirou, Pif, Mickey Parade, Roudoudou, Strange... près d'un quintal de pur bonheur ! Seul problème, il y avait de nombreux numéros de magazines absents et ça n'aidait pas à suivre les histoires... Mais peu importe, une fois triées les histoires mal dessinées (Corto Maltese...) et les gags pas drôles (Spirou...), il restait de grandes aventures avec de vrais hommes à cheval, des pistolets, des indiens, des montagnes sauvages ! Pour autant, la lecture de Jerry Spring me laissait perplexe. Comment un cowboy digne de ce nom pouvait-il être ami avec un mexicain ?!? Ceux-là mêmes qui avaient tué lâchement Davy Crockett durant le siège de Fort Alamo (John Wayne, 1960) (celui qui n'a jamais porté avec fierté la célèbre toque en vrais poils synthétiques ne peut pas comprendre) ! Et que dire de son attitude humaniste face aux terribles et cruels indiens dont il épargnait trop souvent la vie ? Non, décidément, les histoires de Jijé était vraiment trop bizarres... mais bon, il n'avait pas d'égal pour dessiner les chevaux ! Et ça, pour le dessinateur en herbe que j'étais, ça imposait le plus profond respect.
Le temps a passé, mais aujourd'hui encore, je reste en admiration devant la façon dont Jijé dessinait les chevaux en action, la fluidité de son trait au pinceau lui permettant toutes les audaces dans leur mise en scène.

Jijé fut un auteur prolifique, auteur de près de 70 ouvrages en près de 40 ans de carrière, avec des séries comme Blondin et Cirage, Jean Valhardi, Jerry Spring, Tanguy et Laverdure, Spirou, etc. que ce soient des créations ou des reprises.
Mais au-delà de sa place dans l'histoire de la BD, ce qui m'a marqué en lisant ses différentes interviews (dont l'excellent livre d'entretien Franquin/Jijé), c'est la personnalité du bonhomme. Voila un dessinateur qui n'hésitait pas à laisser une série pour passer à une autre, qui était capable de rendre dingue Goscinny en ne suivant pas son scénario, et tout ça pour une unique raison: se faire plaisir ! Et ce mot, plaisir, revient un nombre incalculable de fois dans ses interviews, comme un leit-motiv, une ligne de conduite. En relisant dernièrement certains albums, je me suis rendu compte à quel point cela transpirait dans ses planches, formatait son travail même au détriment parfois du scénario. Jijé était un sacré personnage, je peux comprendre l'influence qu'il avait, l'attraction qu'il exerçait sur une génération de grands auteurs comme Giraud, Franquin ou Morris. C'est vraiment regrettable qu'il soit aujourd'hui en passe de rejoindre le panthéon des auteurs oubliés...

Cette planche de Jijé fut ma première planche originale acquise en vente aux enchères. Quelques secondes de stress et je me retrouvais l'heureux propriétaire d'une de ses madeleines qui font la joie des collectionneurs... et souvent le désespoir de leur épouse.
La planche était en deux parties, reliées entre elles par un vieux ruban de scotch jauni et dont la colle avait en partie traversé le papier. J'ai hésité à la conserver telle quelle, dans son jus, mais en dehors de l'aspect inesthétique, ce serait dommage de la laisser continuer à se dégrader. J'ai fait appel à une restauratrice qui a fait un superbe travail, en nettoyant pour le mieux les traces de colle sans intervention agressive (type bain de chlore). J'ai pu alors faire encadrer la planche originale.

J'aime bien ce moment où la planche reprend une nouvelle vie, extraite définitivement de l'album, où, pour mon seul plaisir, la narration se trouve suspendue. L'observation des éléments qui la constituent en est alors facilitée: les cases, les gouttières, les récitatifs, les bulles, les personnages, le trait... Et bien que connaissant déjà l'histoire, une autre lecture devient alors possible, que ce soit en embrassant la planche dans sa globalité ou bien en laissant zigzaguer son regard.
Ce qui marque immédiatement ici, c'est cette grande case, pleine de mouvements, d'aplats noirs, où le pinceau de Jijé fait des merveilles, souple et précis, dynamique en même temps. Une belle réussite !

Dans cet album, Jijé innove et change sa mise en page. C'en est terminé des planches composées de trois grands strips de quelques cases, approche classique mais quelque peu rigide. Le passage à quatre strips s'accompagne d'une composition plus complexe qui gagne nettement en dynamisme en faisant souvent exploser les cases au gré de l’action. C'est avec cette technique que Jijé produira, à mon sens, les plus belles planches de Jerry Spring.

Pour en arriver à cette superbe case, Jijé va conduire le lecteur au travers d'un découpage précis, très cinématographique: le premier strip voit l'entrée en scène du héros, par la gauche, tout en mouvement. Le récitatif, telle une voix-off, ne semble ici que décrire la scène et venir donc doublonner avec le dessin. Pourtant, ça fonctionne très bien car le texte de Jijé vient en fait renforcer l'ambiance et le dynamisme de la scène par l'utilisation d'un vocabulaire traduisant la vitesse d'exécution ("à peine", "en un éclair", "saute", "tout en", "bondit").

Jijé accentue encore le dynamisme de cette séquence en donnant à Jerry, héros plein d'allant, une position exagérément inclinée dans la deuxième case, telle qu'il est peu probable qu'un homme parviendrait à la tenir. Mais ici, en bande dessinée, ça marche ! Cet axe incliné, renforcé par le jeu des ombres sur le personnage, est aussi le point de départ d'une ligne de force qui va traverser la planche jusqu'à la grande case.

On pourra noter sur cette case la particularité vestimentaire du héros de Jijé: il porte son jean par dessus ses bottes, contrairement à tous les autres cowboys. Un petit détail, mais une façon de se distinguer, de marquer sa différence. Lorsque Giraud, élève de Jijé, créera le personnage de Blueberry en s'inspirant fortement de Jerry Spring, il ne conservera pas ce détail (mais trouvera d'autres moyens pour particulariser son personnage).

Le second décrit la mise en place du piège tendu par le héros, et le suspens autour de sa réussite.

La grande case présente les effets du piège, réussi, et la planche se termine sur l'annonce de la poursuite de la chasse à l'homme. C'est reparti !

Cette planche a connu trois formes de publication:
- en noir et blanc avec une trame monochrome beige (journal de Spirou),
- en noir et blanc (collection Grand Format de Dupuis),

- en couleur (publication en album Dupuis), sur la base du calque de mise en couleur (les couleurs proposées sur ce calque étaient-elles de Jijé ou bien d'un studio ?).

L'année 1965 fut une année riche. Ce sont les débuts de Giraud, qui aidé par Jijé pour la couverture, publie le premier album de sa future série culte Blueberry, "Fort Navajo". La même année, Peyo publie dans le journal de Spirou une des meilleures histoires des Schtroumpfs, "Le Schtroumpfissime", pendant que Morris se distingue avec une histoire de Lucky Luke, "Des barbelés sur la prairie". De son côté, le genre western au cinéma fait sa mue, avec l'émergence du western spagetthi. Le héros n'est plus ce cow-boy lisse et parfait, face aux méchants indiens ou aux bandits mexicains, cette vision trop manichéenne est dépassée ("Les Cheyennes" de J. Ford). Mais cette révolution là, Jijé l'avait déjà anticipé depuis longtemps...

Masbou

2009-09-13T23:21:00.001+02:00

La vie trépidante et exaltante (si si !) de collectionneur d'originaux est faite de moments de rêve, d'envie, de doute, d'actes manqués, mais aussi, de temps en temps, de vrais coups de chance. C'est un peu tout cela avec cette planche de Jean-Luc Masbou, tirée du Tome 1 (Le secret du janissaire) de la série De Cape et de Crocs.

Prologue
Novembre 1995. Mon premier festival BD. Ce sera celui de Colomiers. Je m'y rends en touriste avec un copain collectionneur de BD (grand fan de Bourgeon, Loisel... et des 4 As, tout le monde a ses secrets inavouables !), n'ayant pas vraiment d'idée sur ce que l'on peut bien trouver sur un salon consacré à la BD. Sur place, l'ambiance est sympathique et de nombreux dessinateurs sont attablés, dédicaçant leurs BDs aux fans.
Je découvre ainsi Coyote qui vient tout juste de sortir un nouveau "Little Kevin". Je l'observe en train de dédicacer, puis nous bavardons un peu; voir des dessins, même de simples dédicaces se former sous mes yeux a quelque chose de magique (comment diable fait-il pour tenir correctement un crayon avec des bras aussi énormes -et tatoués !).
A quelques mètres de là, un tout jeune dessinateur réalise de superbes dessins à l'aquarelle. Il s'appelle Jean-Luc Masbou et publie sa première BD chez Delcourt, la jeune maison d'édition qui monte: "De Cape et de Crocs". Il y a un petit attroupement de curieux autour de lui mais comme il n'y a que deux personnes qui attendent (j'imagine la tête des chasseurs de dédicace actuels en lisant ceci !), j'achète l'album et patiente. C'est de l'achat totalement impulsif, je n'ai aucune idée de ce que ça raconte, du style même de dessin. J'ouvre l'album par la dernière page (comme toujours pour une nouvelle BD, ça fait partie des tics inexplicables et passablement stupides que je n'arrive pas à contrôler...). Bonne première impression, les couleurs sont belles, ça respire la grande aventure ! Rassuré, je peux ouvrir une page au hasard: ce sera la page 11. Et une grosse claque comme je les aime !

Acte I
Pour ceux qui ne connaîtraient pas la série De Cape et de Crocs, il s'agit d'une série d'aventure, une oeuvre théâtrale qui tire son inspiration tour à tour de la littérature classique (Les fourberies de Scapin, Cyrano de Bergerac...), de la Comedia del Arte, des romans de cape et d'épée et de la culture populaire.
Basée sur un jeu de rôle inventé par Masbou et Ayrolles, Contes et Racontars, la série brille par son ton unique, son ambiance jubilatoire, portés par des dialogues enlevés et la sublime mise en couleur de Masbou.

Sur la double page 10&11 une séquence nocturne est baignée dans une palette de couleurs utilisant une multitude de variations de bleu, de laquelle émerge cette première case toute en lumière.

Masbou déclarait dans une interview: "J’estime que si je veux faire rentrer des gens dans mon image, ce n’est pas tellement le dessin qui est important, c’est surtout la couleur et l’ambiance colorée que j'y mets".
Tout y est pour camper le décor d'une riche cabine de navire et son ambiance : les dorures, le riche mobilier, le tapis finement orné, l'instrument de musique, la carte, le compas et bien entendu, le fameux coffre.
Les couleurs sont chatoyantes, riches et lumineuses, au service d'une réelle mise en scène, au sens théâtral du terme: le renard, Armand Raynal de Maupertuis, entre dans la cabine comme il entre en scène, avec cette posture à la fois fière et élégante. C'est d'ailleurs une des constantes dans la représentation des personnages de l'histoire, Masbou les dessine dans des postures exagérées, tels des acteurs sur une scène.

Acte II
Mais ce qui m'a frappé immédiatement dans cette planche, c'est cette grande case centrale, aussi explosive que... silencieuse.

Ce n'est pas tout à fait du Tex Avery, mais cette armée de pirates turcs bondissants, jaillissant comme des diables, armés jusqu'aux dents (au propre comme au figuré ! cf zoom ci-dessous), simultanément, de la cale du navire, et le loup fuyant à grandes enjambées, donnent à cette case un tel dynamisme que l'on a presque l'impression de la voir s'animer devant nous.

La galerie de portraits des pirates turcs est un vrai régal, on sent réellement le plaisir de Masbou à dessiner ce genre de scène et ces trognes.

Paradoxe amusant sur cette case, alors que cette série fait la part belle aux dialogues, cette case où devraient exploser les cris et les hurlements se trouve sans le moindre phylactère ! Masbou n'a pas jugé nécessaire d'en rajouter, les visages et les corps parlent suffisamment d'eux-mêmes. Et il a eu raison.

Acte III
Cette fameuse case horizontale constitue la chute d'un gag longuement préparé, depuis plusieurs planches.
En effet, à l'évocation du navire comme étant une galère turque, le Renard corrige en précisant qu'il s'agit plutôt d'un voilier turc, une chébèque (référence à Molière avec la réplique « Mais que diable allait-il faire dans cette chébèque ? »). Précision de vocabulaire, si cher à Ayrolles et Masbou, qui trouve toute sa justification dans la séquence où le Loup, croyant délivrer les galériens "de la chiourme barbaresque", libère... les marins turcs !
Le Loup va faire les frais de ce quiproquos et pour accentuer cela, Masbou cadre sa scène selon le point de vue des marins turcs, tapis dans la cale, le Loup apparaissant en ombres chinoises, comme la victime désignée. La révélation du quiproquos du Loup se fait alors tout simplement en jouant sur la forme des yeux dans le noir. Ce procédé sera repris en toute fin du tome 3.

Sur la planche originale on peut encore voir la mise en place du texte au crayon à papier dans les bulles.
J'ai longtemps hésité à demander à Masbou de rajouter le lettrage sur la planche, pour profiter aussi du texte qui constitue une partie de l'intérêt de cette série (paraît-il que certains auteurs acceptent). Pour finalement ne rien en faire. De toute façon, je connais déjà les répliques par coeur...

Entracte
Le genre de petit détail, clin d'oeil humoristique, que Masbou glisse régulièrement dans ses planches et que je n'avais pas remarqué à la première lecture : le loup dissimule son visage en portant... un loup, bien entendu !

Acte IV
Dans le troisième strip, le rythme s'accélère sur l'ouverture du coffre et la découverte de la carte au trésor: découpage en cases plus étroites, le phylactère à cheval sur deux cases, le texte lui-même est saccadé.

Les case 7 & 8 seront réutilisées, assemblées devrais-je dire, pour constituer le cul de lampe de la page de titre.

L'accélération du rythme conduit directement à un dernier gag, petit coup de théâtre qui vient refermer cette séquence initiée par l'entrée en scène du renard, et lancer un suspens de fin de planche.
A noter l'onomatopée "CRAAC" au moment de l'enfoncement de la porte, faite de lettres en bois.

Epilogue
Début 2005, je me décide à acheter une planche originale de De Capes et de Crocs. J'entre en contact avec JL Masbou puisque il vend lui-même, en direct. Il n'a plus rien à vendre du tome 1, pas grand chose du tome 2. Je fais traîner les choses, je n'arrive pas à m'arrêter sur une planche précise...
Juin 2006. De passage à Paris pour la journée, je décide au dernier moment de m'arrêter dans une galerie avant d'aller prendre un avion. J'entre, et la première chose que je vois, posée sur le dessus des fardes, la planche n°9 de Masbou !
En dépôt-vente, depuis le matin même. Et chez moi le soir-même !
Moralité: de la patience... et de la chance.
Et Rah Lovely, comme dirait l'autre !

Technique:
Masbou utilise de l’acrylique en impression directe sur un papier épais, la planche mesurant 43x31 cm.

Bonus
Petites dédicaces obtenues lors de rencontres avec JL Masbou. La deuxième, celle d'Eusèbe, fut utilisée sur le faire-part de naissance de mon fils.

Peyo

2009-06-18T21:41:00.001+02:00

Pas de planche cette fois-ci, mais une case.
Une simple case, mais d'un des grands noms de la bande dessinée, Pierre Culliford dit Peyo (1928-1992).

A ma connaissance, toute relative il faut le reconnaître, il y a assez peu d'originaux des Schtroumpfs en circulation. Peut-être sont-ils "enterrés" chez quelques collectionneurs discrets ? Plusieurs planches de l'album "Le schtroumpfeur de pluie" sont passées en vente publique, mais il s'agit de travaux du Studio Peyo, et pas de Peyo lui-même.

Cette case a été achetée en vente aux enchères, lors d'une vente Coutau-Bégarie (un grand merci à mon ami François !).
Il s'agit d'une case que Peyo a choisi de redessiner, issue de l'histoire "Le faux Schtroumpf".
Cette histoire fut publiée en tant que supplément du Spirou n°1211 (été 1961), sous la forme d'un mini-récit (le n°68 pour être exact), réédité en 2008 par le journal Le Soir.

Dupuis publia par la suite cette histoire dans l'album "L'oeuf et les Schtroumpfs", en 1968, quatrième album de la série.

L'histoire: Gargamel, transformé en petit être bleu, tente d'intégrer la petite communauté des schtroumpfs afin de se venger. La vengeance sert de fil conducteur à une succession de tentatives aussi drôles que vaines, menées à un rythme soutenu.

Lors de sa publication en album, Peyo décida de redessiner toute l'histoire.

Il est intéressant d'essayer de comprendre ce qui peux pousser un dessinateur à refaire entièrement son album. Il ne s'agissait pas ici de corriger des défauts graphiques mais plutôt d'une véritable refonte de la narration.
Dans la première version, en mini-récit, la séquence dont il est question ici (Gargamel, transformé en schtroumpf, rencontre un schtroumpf mais ne comprenant pas leur langue il s'ensuit une suite de malentendus qui conduisent à une bagarre) est découpée en 12 cases. Dans la version publiée en album, cette séquence s'étale désormais sur 19 cases. Par ailleurs, on pourra noter que l'histoire est désormais présentée sous forme de 5 strips par planche au lieu de 4; Peyo reviendra à une structure plus aérée de 4 strips lors des albums suivants).
Peyo s'est attaché à décomposer la plupart des cases en deux, séparant questions et réponses du dialogue de sourd entre les deux schtroumpfs. Ainsi, il peut jouer sur toute la palette d'expression de ses personnages, et clarifier la séquence. On a au final ici un bel exemple du sens du découpage de Peyo et de ses fondamentaux: clarté, simplicité, efficacité.
Yvan Deplorte disait de Peyo: "de tous les auteurs de bande dessinée que j'ai pu rencontrer, Peyo était le meilleur raconteur d'histoires."
Peyo excellait aussi bien dans l'art difficile de trouver des sujets d'histoires à raconter aux enfants (les scénarios de l'après Peyo sont affligeants) que dans la manière de les raconter.

En outre, on ne peut s'empêcher de voir dans ce découpage plus fin le goût de Peyo pour l'animation, la séquence finale se rapprochant très près de ce que pourrait être une version animée de cet épisode.

Pour en revenir à ma case, il est intéressant d'essayer d'imaginer la réflexion que Peyo a pu mener.

La 1ère version (mini-récit)

Ligne claire classique, simple: le personnage est appuyé sur le bord inférieur de la case, le décor est réduit à sa plus simple expression (quelques herbes sous le personnage).

La version d'étude

Peyo donne de la profondeur a son dessin, le schtroumpf étant représenté cette fois-ci au milieu de la case. Dans la foulée, il crée un décor (fleur, feuilles de salsepareille, buissons). En revanche, il ne touche pas à l'attitude du personnage, à l'expression de son visage.
La case redessinée est beaucoup plus riche, plus réussie. Pour autant, ce n'est pas tout à fait celle-là qui sera retenue dans la version finale.

La version publiée

Peyo s'est probablement rendu compte qu'il était allé trop loin dans l'enrichissement du décor, perdant de vue le sacro-saint principe de lisibilité. Il va donc faire machine arrière sur les ajouts de végétation, libérant ainsi plus d'espace aux petites étoiles virevoltant autour de la tête du schtroumpf, ce qui constitue la principale information de la case. Au passage, Peyo en profitera pour retravailler l'attitude du personnage, la rendant plus souple (l'articulation de l'épaule apparait), et en tournant légèrement l'angle de vue pour mieux faire apparaître la position du personnage (son second bras devient visible).

On a donc ici un bel exemple de cette recherche de lisibilité, pilier de la fameuse ligne claire. La case non retenue, pourtant plus "belle" que la case finale, est moins réussie d'un point de vue de la lisibilité au sein d'une planche. A ce sujet, Franquin lui-même disait à propos de Peyo: "C'est la qualité d'un dessin de Peyo : tu mets sa planche au mur, tu recules de cinq mètres, tu vois très bien ce qui s'y passe : il sait dessiner clair ! "

Un peu plus qu'une case
Cette case a une saveur particulière pour moi.
Je l'ai offerte à ma fille pour son anniversaire, le 17 juin. Bien entendu, il y avait les inévitables cadeaux Hello Kitty et autres, mais au milieu il y avait ce cadeau d'un genre un peu spécial, cette case encadrée.
Toute petite, je lui racontais chaque soir avant de s'endormir une histoire des Schtroumpfs. C'est ainsi que je suis devenu un expert mondial en imitation de Cracoucass, Grossebouffe et Gargamel. Et pour ce dernier, de son perpétuel leitmotiv "je me vengerai !". Et au moment de quitter sa chambre, toujours trop tôt selon elle, elle se relevait dans son lit et, en brandissant son petit poing, me lançait la fameuse phrase en rigolant.
Cette case, c'est un peu un lien particulier qui nous relie, ma fille et moi, souvenir de moments privilégiés, trop courts, qui n'appartiennent qu'à nous. Un bout de complicité qui tient sur un tout petit carré de papier. Magique, non ?
Cet original est accroché au dessus de son lit, puisse-t-il y rester longtemps encore.
Bon anniversaire ma chérie !

Blutch

2009-02-12T19:25:00.000+01:00

Après Goossens, la transition est toute naturelle avec celui qui vient d'être récompensé par le Grand Prix d'Angoulême 2009, Blutch.
Voila une récompense très largement méritée (c'est mon avis et comme j'écris ce que je veux...) pour ce virtuose, reconnu par la profession mais encore méconnu du grand public. Et ce ne sont pas ses dernières bandes dessinées publiées qui vont arranger les choses...

J'ai rencontré Blutch lors d'une séance de dédicaces, et je lui ai fait part de mon intérêt pour son travail. Je ne savais pas alors s'il vendait ses originaux mais, au cours de la discussion, je lui ai posé la question et... 2 jours après je me retrouvais dans son atelier pour choisir une planche !
Il y a quelque chose d'intimidant à se rendre chez un auteur que l'on apprécie particulièrement. Alors que je grimpe l'escalier qui mène jusqu'à son appartement, je me rends compte, un peu stressé, que je ne sais pas du tout ce que je vais lui dire, les questions que je pourrais lui poser, quelles sont les planches qui m'intéressent... Bref, le trac de la groupie. La porte est déjà ouverte et Blutch m'accueille agréablement sur le palier, puis me conduit directement dans son atelier. Au premier abord l'homme semble réservé, discret, mais finalement se met à parler facilement. De son fils qui vient de nous rejoindre, de son travail en cours, d'une expo à venir... La pièce est un joyeux bordel comme je les aime: un grand bureau près de la fenêtre recouvert de feuilles de papier griffées, raturées, au pinceau, au crayon, aux encres de couleur, amoncellement de papier où l'on trouve aussi bien ses créations en cours que les dessins de son fils. Tout autour, des piles de livres et de disques, des photos et des dessins sont épinglés au mur, étrange patchwork des goûts de Blutch: une image d'un groupe de jazz, la photo N&B d'une belle actrice et... le cowboy dessiné par son fils (avec l'aide de son papa, m'avouera-t-il).
On se sent bien dans cet atelier, Blutch me met à l'aise, et à peine quelques minutes après mon arrivée, me voila assis à même le sol à contempler la totalité des planches de son album pour la série Donjon.
J'ai la chance de pouvoir faire mon choix en avant-première (le rêve de tout amateur !), avant que ne débute, une semaine plus tard, une expo-vente à Paris. J'ai du mal à me concentrer devant toutes ces planches étalées négligemment sur le sol, et je sens bien que je déçois le fiston en préférant les dessins de son papa à son dernier cow-boy... Blutch est assis par terre, en face de moi, adossé à son bureau. Il me commente ses planches, me livre des anecdotes sur leurs créations, les prends et les repose tour à tour. La discussion avance, les planches recouvrent maintenant une bonne partie du parquet de l'atelier, malgré mes efforts pour essayer de maintenir une pile bien ordonnée (et à l'abri des pieds du fiston, je l'avoue).
J'évoque son album Vitesse Moderne et voila qu'une nouvelle série de planches vient se mêler à celles de Donjon ! Malheureusement, celle qui m'intéressait a déjà été vendue (la planche où Victor Hugo explique pourquoi il se promène dans les quartiers glauques la nuit; si jamais...).
Après moultes hésitations et changements d'avis, je sélectionnais 3 planches.
Et comme je suis un imbécile, je n'en ai pris qu'une seule.

Cette planche de Blutch est donc issue de la série Donjon, plus précisément la sous-série des Donjon Monsters, de l'album "Mon fils le tueur" paru en 2003. Il s'agit de la planche n°7.

Donjon est une série imaginée par Lewis Trondheim et Joann Sfar, parodie délirante des univers médiévaux des jeux de rôle. La série se caractérise par la richesse de son univers, une immense fresque qui s'étale sur trois époques distinctes, une connaissance parfaite des codes du genre et leur détournement pour servir un humour jubilatoire.

L'album Mon Fils le tueur fait partie de la période appelée Potron-Minet, de loin la meilleure à mon sens, qui retrace la création du Donjon.
Cette planche présente la toute première rencontre entre deux des personnages principaux de la série, Hyacinthe de Cavallere, futur Maître du Donjon, et le dragon ailé Marvin. Ce dernier vient d'être emprisonné, avec sa mère, pour avoir provoqué une émeute et croqué quelques gardes... Hyacinthe les fait libérer de prison en échange d'une protection rapprochée.

Pourquoi avoir choisi cette planche là ? Sur le moment, point d'analyse particulière ou de réflexion poussée, juste le coup de coeur, peut-être un peu aussi l'influence de la discussion avec Blutch...
A tête reposée, il y a tout de même plusieurs éléments qui font que cette séquence fait partie de mes préférées.

Le découpage adopté pour cette séquence a la particularité de faire tenir la scène sur une seule planche. Nul besoin de connaitre la planche précédente, ni la suivante, la scène entière débute dans la première case panoramique, permettant de situer immédiatement les personnages, et se termine dans la dernière case avec les personnages qui nous tournent le dos et s'en vont.
Par ce procédé, Blutch nous met réellement en position de spectateur de la scène, tel un des passants de cette rue: les personnages arrivent vers nous, de face, l'action se déroule, puis les personnages repartent et nous les regardons s'éloigner dans la rue.

Appréciant les grandes cases, je ne pouvais qu'être attiré par cette mise en page dans laquelle la grande case verticale joue un rôle important. Tout d'abord, de façon classique, elle a pour fonction de présenter le plus largement possible le lieu de l'action et les personnages présents. Sa verticalité ralentit la lecture, on s'y attarde et cela d'autant plus que le trait noir tout en griffure de Blutch convient parfaitement pour retranscrire l'ambiance de cette ruelle: les personnages sont en train de discuter en marchant, sans se presser.

Mais cette scène qui démarre doucement constitue un véritable tournant dans la relation entre Hyacinte et Marvin. On peut distinguer trois parties dans cette planche:

la première, correspondant aux trois premières cases, est une discussion, centrée sur Hyacinte, avec les traits d'humour caractéristiques qui ont aussi fait le succès de la série. On notera que Blutch positionne son " oeil " de telle sorte que Marvin n'apparait qu'à peine au bas des cases 2&3, telle une présence insignifiante.

la case 4 est le pivot de cette planche, le tournant psychologique entre Hyacinte et Marvin : sans prévenir, sans signe annonciateur, Marvin jaillit tel un diable et saute au cou du vendeur de fleurs ! Cette brusquerie surprend réellement Hyacinte, mais pas la maman de Marvin qui reste impassible, avec toujours la même expression sur le visage.

à partir de là s'ouvre une nouvelle séquence dans laquelle Marvin a acquis un nouveau statut, aussi bien aux yeux du lecteur que de Hyacinte, réellement impressionné par ce qui vient de se passer. A partir de là, la caméra de Blutch n'oublie plus Marvin, il a acquis sa place de personnage clé, aux côtés de Hyacinte qui sait maintenant ce qu'il peut attendre de son compagnon.

Les traits hachurés en guise de décor à l'arrière-plan marquent aussi bien la violence de la scène (case 5) que l'étrangeté de la justification de Marvin quant à son acte. Et je dois dire que la trogne de Marvin, les joues encore pleines, avec une attitude très sûre, fière, assénant "il a parlé à ma mère ", m'a vraiment fait rire !

J'ai mis du temps à retrouver pourquoi cette phrase semblait avoir un autre écho encore.
Et quelques reconnections de neurones plus tard, je mettais enfin le doigt dessus: "il a parlé à ma soeur !", réplique culte d'Asterix en corse, dans lequel le corse Ocatarinetabellatchitchix menace un romain qui a parlé à sa soeur, ce qui est un manque de respect ("et avec le sourire. Attention !"). Finalement, Marvin ne fait que mettre à exécution les menaces sous-entendues par Goscinny !

En discutant de cette planche, Blutch me confia qu'il avait eu parfois du mal à trouver certains personnages secondaires, et notamment celui du vendeur de fleurs. Une idée de sa source d'inspiration...?

He oui, c'est Robin des bois, du moins sa version déguisée lors du tournoi d'archers.
Je crois que Blutch s'est fait plaisir avec cette référence et en utilisant un personnage de Walt Disney dont le destin éphémère est de se faire dévorer sans sommation ! Après tout, un peu d'irrévérence, c'est bien dans le style de la série.

Pour conclure, la planche est au format A3, à l'encre de Chine avec utilisation d'un peu de blanco.
J'ai opté pour un encadrement assez simple avec passe-partout blanc et baguettes noires biseautées pour donner un peu de profondeur.

Daniel Goossens

2009-01-11T22:35:00.000+01:00

Daniel Goossens occupe une place à part dans la Bande Dessinée.
Amateur de paradoxe, Daniel Goossens reste assez peu connu du grand public, malgré le prix de la ville d'Angoulême en 1997, mais il jouit d'une forte reconnaissance parmi les auteurs de BD.
Car Goossens a un style. Unique. Une façon de manier l'humour qui reste inimmitable.
Peut-être aussi parce que Goossens n'est pas un auteur comme les autres. Auteur de BD n'est d'ailleurs pas son activité première; Goossens est un scientifique, chercheur en intelligence artificielle à l'Université de Paris VIII. Le genre de carte de visite qui vous pose un homme.

J'ai longtemps eu du mal avec son style. Je ne voyais pas vraiment ce qu'il y avait de drôle, où il voulait en venir. Et puis je suis tombé un peu par hasard, un peu poussé par un ami (merci Ludo !) sur son album "Route vers l'Enfer" (publication Audie, 1986), compilation d'histoires publiées initialement dans le mensuel Fluide Glacial.

"Route vers l'enfer" est une parodie des films de guerre américains, genre Les douze salopards, où les hommes sont soit des héros soit des lâches. Et au milieu de la galerie habituelle de personnages... le Père Noël ! Caractériel, tête brûlée, un tantinet depressif et porté sur la boisson, le Père Noël n'est pas un lâche, bien qu'il ne supporte pas qu'on puisse risquer de faire du mal aux petits enfants.
Cet album totalement délirant a été pour moi comme un révélateur: il pouvait y avoir de l'humour en bd en dehors du sacro-saint gag en un strip ou une planche, un humour sans chute, un humour qui ne se laisse pas entièrement découvrir à la première lecture

Dans cet album, un épisode est particulièrement jubilatoire pour tout amateur de film de guerre (et pour les autres aussi, ne soyons pas sectaire). Suite à une bagarre lors d'une partie de poker perdue, le Père Noël se retrouve enfermé dans un pénitencier militaire pour fortes têtes. Le Père Noël va alors subir les foudres d'un sergent sadique chargé de le mâter, en attendant qu'on lui propose une mission suicide en guise d'échappatoire.
Dans cette histoire, une planche en particulier me tenait à coeur, et la chance aidant... la voici:

Gotlib est, à mon sens, l'auteur dont l'humour se rapproche le plus de celui de Goossens. On va trouver une forme de dérision tout aussi référentielle chez ces deux auteurs, mais Goossens va l'aborder d'une autre façon, plus diffuse car se jouant sur plusieurs niveaux.
Dans cette planche, il est possible de distinguer trois plans de narration, chacun porteur d'un comique particulier:

1) Le premier est un comique de situation, celle du Père Noel qui se retrouve dans une prison pour "têtes brûlées", le pénitencier militaire d'Alabama.
Avec le personnage du Père Noel, Goossens emprunte une figure pour le moins connue qui personnifie un caractère, une attitude, une disposition d'esprit qui fait référence. En le dessinant avec une trogne peu amène (genre capitaine Haddock des mauvais jours...) et en le plaçant au beau milieu d'une histoire de guerre, Goossens crée immédiatement le décalage.
Il s'agit alors pour lui de confronter son personnage avec une mythologie clairement définie, caractérisée par ses codes vestimentaires, son langage spécifique, son décorum, ses situations plus ou moins obligées... quitte à les détourner, comme dans la première case où la réunion entre le colonel et le psychologue se déroule, non pas dans un bureau militaire comme on pouvait s'y attendre mais... dans une cuisine !

Goossens fait preuve d'une infinie précision dans l'utilisation du décalage, à aucune moment les personnages ne s'étonnent des situations et ils se comportent et interagissent avec la plus parfaite cohérence.

2) Le 2ème plan est constitué des références, en l'occurence ici celles faites aux films de guerre américains.
Tout d'abord, le titre même de l'album, Route vers l'enfer, est une référence directe au film de 1983, Retour vers l'Enfer. Le personnage principal, un colonel, y est tenu par l'acteur américian Gene Hackman dont le visage semble d'ailleurs avoir inspiré celui du colonel de Goossens.

Les cases 2, 3 & 4 font référence à des grands classiques des films de guerre, les scènes de torture et d'humiliation des prisonniers. Cette deuxième case (ci-dessous) reprend le cliché du cachot enterré que l'on retrouve souvent dans les films sur la guerre du vietnam. En discutant de cette planche avec Goossens, celui-ci n'a pas pu se rappeler avec précision les différentes sources d'inspiration, mais il me semble que l'on retrouve cette scène dans Retour vers l'Enfer et Le Pont de la Rivière Kwai (s'il y a des experts dans la salle, qu'ils n'hésitent pas à me corriger).

L'angle de vue utilisé ici est très cinématographique, mettant le lecteur dans le cachot, au niveau du Père Noël emprisonné. L'encrage est épais, gras, donnant cette sensation de saleté qui colle bien aux personnages; on pourra noter la façon dont Goossens a poussé la précision jusqu'à dessiner les raies de lumière pénétrant le cachot à travers les barreaux.
La mise en page de cette planche est assez intéressante car elle vient renforcer la référence cinématographique. Il n'y a véritablement que deux cases encadrées sur les six, les autres scènes s'entremêlant légèrement à la façon d'un fondu enchainé sur lequel surnage le visage fixe de l'officier, assénant vigoureusement ses principes militaires. J'aime tout particulièrement le premier ("le Père Noël est une tête brûlée"), savoureusement décalé :

Par ailleurs, cette scène est une parodie d'une séquence de l'album "Le hors la loi" de la série Blueberry, où l'on retrouve le héros, emprisonné, aux mains d'un général sadique. Un grand merci à Clément dont le commentaire avisé m'a permis de retrouver cette référence.

On retrouve sur la 4ème case cette façon de filmer spectaculaire avec ce gros plan sur le Père Noël en train de lècher le sol pavé.

3) Le 3ème plan enfin, très fréquent chez Goossens, repose sur les dialogues secondaires.
Goossens aime parsemer ses planches de ces petites bulles en arrière-plan qui, parfois, échappent à une première lecture rapide.

A mes yeux, cette cinquième case est très représentative de l'humour de Goossens, de son style. Dans chaque oeuvre et pour chaque lecteur, il y a bien souvent une case, une scène, qui reste gravée dans la mémoire, ce petit bout de planche auquel on pense instantanément lorsqu'on évoque un auteur. Voila, pour moi, Goossens c'est cette case-là (pour être honnête, il y a aussi celle où Tintin témoigne de son problème de drogue avec les yeux cachés pour rester anonyme, mais je n'ai pas cette planche originale...).
Le décalage et l'absurde sont à leur paroxysme avec le Père Noël écartelé et fouetté, le bourreau prenant apparemment un malin plaisir à fouetter... la hotte !
J'ai eu l'opportunité de discuter de cette case avec Goossens, et je dois dire que ce fut un véritable moment délirant que d'évoquer les possibles penchants sado-maso du Père Noël !
J'ai cette planche sous les yeux tous les jours depuis quelques temps maintenant (je vous laisse deviner la teneur des questions de ma fille de 5 ans sur ce qui arrive au Père Noël...), et je dois avouer qu'il n'y a que peu de temps que j'ai remarqué la bulle attribuée au bourreau fouetteur. Le bruit du fouet sur la hotte se retrouve dans l'onomatopée écrite en lettres majeures, comme il se doit selon les codes de la bande dessinée. Mais le bourreau lui-même "répête" ce bruit, comme pour singer un ordre en écho aux paroles de l'officier ("prends ça", "lèche") et ajouter au côté sadique de la scène. On peut relever que les ordres donnés par l'officier sont écrits sans point d'exclamation, conférant à ce genre d'injonction un côté froid, déshumanisé, finalement à l'opposé des ordres généralement hurlés dans les films de guerre, mais tout aussi à même de recréer l'atmosphère froide et réaliste de cette prison militaire.
Cette petite bulle de rien du tout, c'est le genre de petit détail caché, découvert tardivement, qui donne à mes yeux encore plus de valeur à ce type de planches.
La chose est assez fréquente avec les histoires de Goossens. On relit souvent différemment les mêmes pages qui sont bien trop riches pour que le premier degré de lecture en épuise toutes les trouvailles, toutes les finesses.
La dernière case de cette planche reprends elle aussi cette bulle ("schlack") et y ajoute la réponse du Père Noël, si belle d'absurdité, implorant, prêt à tout les supplices... du moment qu'on ne le matait pas !

Comme évoqué, j'ai eu la chance de rencontrer Daniel Goossens lors d'une exposition-vente en galerie, et de discuter avec lui de cette planche et des tendances masochistes du Père Noël; lors d'une autre occasion, il m'a fait parvenir ce petit dessin, plein d'humour.

Album: Route vers l'enfer
Editeur: Audie
Année: 1986
Planche : n°19
Dimensions : 32 x 41, papier épais
Technique : encre de Chine et couleur (encre gris-bleu, utilisée par Goossens sur quelques albums seulement, mais dont le nom m'échappe malheureusement...)

Emmanuel Lepage

2008-09-28T00:02:00.000+02:00

Lepage est un auteur dont j'admire le travail. Un des très grands de la couleur directe, espèce en voie de disparition à l'heure où l'utilisation de Photoshop se généralise.

La planche que je voudrais essayer d'analyser est issue du dyptique "Muchacho", album pour lequel Lepage a été recompensé à Angouleme.

Alors que "La Terre Sans Mal" avait fait de l’écriture -au travers des carnets de notes omniprésents de l’héroïne, une thématique forte, "Muchacho" est une histoire de regard : celui inquisiteur du militaire qui démasque le rebelle, celui sensuel de Concepcion qui éveille le désir, celui paternel du prêtre sur ses ouailles, celui de Gabriel sur les villageois et sur lui-même, enfin celui plus énigmatique de Dieu sur les hommes.

En ce sens, cette planche quasi muette présente une composition que je trouve admirablement équilibrée et chargée de symboles. Gabriel, le personnage principal se trouve au centre de la planche, au centre de la lucarne, à l'image d'un Pierrot lunaire, mélancolique, observateur privilégié de deux personnages aux destins tragiquement liés.
Lepage utilise une grande case centrale panoramique qui occupe le second strip et donne un axe horizontal à l’ensemble de la page ; sur cette case, trois incrustations représentent le village qui s’endort, juxtaposées comme autant d’instantanés quasi identiques jusqu’à donner la sensation même du temps qui s’écoule, lentement.

Le rythme de cette planche est extrêmement bien maîtrisé, très lent, et donne toute sa force à la réflexion qui agite Gabriel, à la culpabilité qu’il ressent quant à ses désirs. Pour imposer ce rythme au travers de sa composition, Lepage joue sur le découpage et la verticalité des cases, adaptées aux plans rapprochés et à la fragmentation temporelle, chacune décomposant des gestes élémentaires dans lesquels on retrouve toute la force, la sensibilité et la sensualité de son dessin.

Le premier strip est consacré à Concepcion : on retrouve toute la sensibilité et la sensualité du dessin de Lepage pour évoquer la vie de cette fille : légèreté du trait – les coups de crayon restent visibles, couleurs vives, précision des regards…
Gabriel occupe les cases aux extrémités, en périphérie des strips, tourné vers la gauche (gauche du lecteur) dans le strip du haut, et inversement dans le strip du bas, renvoyant le regard vers les autres cases et fermant ainsi la composition. Non content de regarder les villageois, il les encadre d’un œil bienveillant. En fermant la composition par un retournement des cases extérieures vers le centre du strip, Lepage évoque merveilleusement le repli sur soi-même, les tourments intérieurs de Gabriel, et, par là même, la situation du jeune séminariste, seul en territoire inconnu.
Le troisième strip est consacré à Buenaventura, l’amoureux. A la fin de la séquence, le personnage est tourné vers l’extérieur de la planche, il ouvre la composition et marque la fin de la phase de rêverie.

Une planche qui s’écoute aussi…
Au départ, Lepage avait prévu une planche entièrement muette, tout comme les quatre précédentes. Il a finalement décidé de rajouter les paroles d’une chanson de Nat King Cole - "Quizas, Quizas, Quizas…", - ces bulles ont été rajoutées / collées a posteriori sur le dessin, qui viennent étoffer le personnage de Buenaventura, un peu mélancolique, une manière aussi de sortir délicatement le lecteur/Gabriel de ses pensées.
Lepage a-t-il pensé au film In the Mood for Love (cette chanson figure dans la BO) en écrivant cette séquence ? Ca ne m’étonnerait pas, il y a pas mal de similarités dans la façon d'utiliser le ralenti et la musique pour traduire une ambiance; peut-être aurai-je un jour l’occasion de lui poser la question.
Le rythme ralenti des cases de ce troisième strip suit le rythme de la chanson. Et les paroles de la mélodie produisent comme une plainte, prenant toute la mesure de cette main qui se tend, qui n'en finit pas de ramasser ces fleurs, et qui ne cesse de faire écho au premier strip... La promesse attendue et son attente sont prises en charge par les paroles de Nat King Cole... "Quizas, quizas, quizas..." ("peut-être"... "peut-être"... "peut-être"...).
Lepage ralentit les gestes de Buenaventure jusqu'au point où l'action perd même un peu de sa signification, comme si Lepage mettait tout en oeuvre pour faire voir l'instant de cette promesse incertaine, suscitant la complainte, tout en démontrant au lecteur le côté vain de cette attente via la parallélisation des deux strips 1&3. Cet effet de ralenti n'exprime pas l'action mais l'environnement, une certaine ambiance.

Le perfectionnisme de Lepage
A noter que la composition finale n'était pas la première dessinée par Lepage. Perfectionniste, le résultat n’était apparemment pas satisfaisant car la planche a été sensiblement retouchée au niveau du troisième strip pour lequel il a refait certaines cases.
Trois cases au lieu de deux, plus serrées sur les personnages, et un angle de vue plongeant sur Buenaventura qui reste celui de Gabriel. Le regard de Lepage/Gabriel se fait plus proche, plus intime avec Buenaventura.

Le découpage retenu au final fait formidablement écho aux cases du premier strip, avec cette symétrie entre les gestes (de Conception qui se débarrasse des fleurs et Buenaventura qui les « cueille » sur les tombes - prémonitoire ?) et les regards.
A noter que cette séquence recevra un écho dramatique très fort à la toute fin de l’histoire, lorsque Lepage remettra en scène Buenaventura cette fois-ci déposant des fleurs contre un mur, à la mémoire de sa bien-aimée.

En conclusion, Lepage nous propose au travers de cette planche une belle démonstration de ce que le medium bande dessinée peut offrir de plus spécifique et de plus riche.

Il faut bien commencer...

2008-09-22T22:25:00.000+02:00

Je ne me souviens pas à quel moment j’ai découvert que les bandes dessinées étaient créées par des personnes. Cela avait sans doute peu d'importance en définitive, même si, comme beaucoup d’autres jeunes lecteurs, je passais des heures à griffonner mes propres aventures dans les marges de mes cahiers d’école.
Et ce n’est que bien des années plus tard que la question refit surface, au détour de discussions sur internet concernant les qualités comparées de telle ou telle bande dessinée. Au-delà de la l’histoire, certaines personnes évoquaient la qualité de la composition, de l’encrage, de l'utilisation de la couleur, l’histoire et les influences d’un dessinateur… autant de petites choses dans lesquelles viennent se nicher la passion pour l’œuvre d’un artiste.
Le virus m'ayant saisi, je vendais ma femme -à défaut de mon âme déjà largement hypothéquée, et m'achetais ma première planche originale. Je passais ensuite des heures à l’étudier dans ses moindres détails, relevant scrupuleusement tous les détails – ici un crayonné encore légèrement apparent sous la mise en couleur, les retouches et les cases découpées et refaites, les notes et esquisses préparatoires de l’auteur au dos de la planche. Cette planche, objet dont je devenais subitement le seul détenteur au monde, était une source inépuisable de petits détails à mes seuls yeux ! Un lien quasi magique venait de se créer entre la bande dessinée lue et le processus artistique qui lui donne naissance. Ce que vous tenez entre vos mains n’est plus le produit d’une machine mais l’œuvre d’art qui précède le livre imprimé. Ce dernier n’est en fait qu’une commodité ; la planche originale constitue le véritable résultat final du processus créatif de l’artiste.
C’est la clé du mystère.

2008-09-22T22:00:00.001+02:00

"You can't lock up art in a vault and keep it frozen for posterity.

Then the artist is betrayed, history is betrayed."

-- Walter Persegati, Secretary and Treasurer of the Vatican City Museums